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Il mio metodo

Per quanto riguarda la musica il metodo si basa su repertorio e pratica della composizione (attraverso l'improvvisazione). Questi due aspetti sono imprescindibili e non negoziabili. Non posso spiegare nel dettaglio il processo legato all'improvvisazione, ma nel giro di poco tempo si acquista la capacità di saper armonizzare in modo pratico ogni grado di una scala (attraverso un sistema nuovo da me elaborato). Quando si lavora ad un progetto (ad es. un piccolo tema per un balletto o per un film), tutto viene poi tradotto nel linguaggio del basso continuo, a cui l'allievo viene a mano a mano introdotto. Gli obiettivi principali sono 1. sicurezza nell'armonizzare ogni grado; 2. conoscenza profonda della modulazione; 3. approccio a forme e aspetti avanzati della composizione. I benefici di questa pratica sono molteplici, tra cui maggior sicurezza nell'affrontare il repertorio, dal momento che si conosce en profondeur il linguaggio della musica. All'inizio tutto ciò viene appreso a memoria e i lavori vengono registrati; dopo qualche settimana si cominciano a mettere su carta i bassi inventati dall'allievo, oppure bassi già dati (che traggo dalle opere); e dopo qualche mese l'allievo si confronta con manuali (da me selezionati) e, soprattutto, con i grandi capolavori del passato (cosa che comunque spesso avviene già dopo poco tempo). Non essendoci alcuna differenza sostanziale tra la musica cosiddetta classica e quella moderna, sottopongo all'allievo tre pezzi che lui potrà scegliere liberamente (in genere pezzi dal libro di Anna Magdalena, da Muzio Clementi o Philipp Glass). Lo studio del solfeggio avviene dopo qualche settimana (ed è molto pratico, e ciò che s'impara viene subito utilizzato per improvvisare o comporre). Mentre per quanto riguardano le altre discipline (disegno, pittura, scultura, architettura), all'inizio tutto si basa sulla copia e i libri utilizzati sono diversi e principalmente libri e disegni rinascimentali; allo stesso tempo l'allievo forma la propria mano anche attraverso i disegni della Disney o Manga, così da stimolarlo ulteriormente. Dalla copia si passa poi alla variazione e, dopo molto tempo (anche anni), con la maturità artistica, si ricerca l'originalità. Di importanza fondamentale è lo studio di uno o più modelli, da cui si parte con l'obiettivo di formare il proprio stile, così come è sempre accaduto nella storia dell'arte. Non può darsi eresia senza avere la tradizione come base. Infine, in merito alla poesia e alla scrittura, l'allievo si confronta sin da subito con i grandi autori (Ungaretti, Rimbaud, Whitman, Voltaire, Hemingway, Petrarca, Racine, Dumas, etc.) e il primo componimento poetico, o breve racconto, diventa la base su cui lavorare e da cui partire. Non si fanno analisi dei testi, come a scuola, ma si approccia ai modelli come l'allievo artigiano col fabbro, sebbene l'obiettivo sia l'arte (ma nell'artista in realtà convivono sempre questi due aspetti: arte e artigianato). La metrica è importante ma viene praticata molto dopo. Tutto ciò, in linea con lo spirito rinascimentale, è alla portata dei bambini, purché si abbia un buon metodo, buoni esempi, e a patto che il maestro sia al contempo un vero artista capace di traghettare l'allievo verso le massime vette dell'arte.

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